¡Pero pav@!

Banda sonora 26 enero, 2011

               


1.-  El sonido antes del sonoro   

-Primeros intentos de sonorización

En el año 1893, el físico francés Démeny inventó lo que se llamó fotografía parlante. Charles Pathé, uno de los pioneros del cine, combinó fonógrafo y cinematógrafo, llegando a fabricar unas 1900 películas cantadas. Y también en la misma época, Léon Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de films parecido, que presentó en la Exposición Universal de París de 1902.

En 1918, se descubre el sistema sonoro llamado TriErgon, que consistía en grabar directamente en el celuloide. Más tarde en 1922, Jo Engel, Hans Vogt y Joseph Massole presentan el primer film, Der branstifer.

Lee de Forest presenta en 1923 su invento definitivo y establece las bases del sistema que finalmente se impuso. El Phonofilm resolvía los problemas de sincronización y amplificación del sonido, porque lo grababa encima de la misma película. A pesar del éxito logrado con la proyección de una secuencia de The Covered Wagon, la falta de financiación postergó la implantación del invento hasta el año 1925. Los empresarios que invertían en ese momento en dicho sector no creían en él, ya que había que adaptar los estudios y todas las salas de proyección.

En 1925, la compañía Western Electric decide apostar por Lee de Forest y, en el año 1926, se inició la producción bajo la tutela de la Warner Brothers. Ese año presentaban cinco cintas en que la imagen convivía con el sonido gracias al sistema Vitaphone de sincronización disco-imagen. Consistían en un discurso de William Hays, una pieza interpretada por la New York Philarmonic Orchestra, una pieza de violín tocada por Mischa Elman, una audición de la cantante Anna Case y la película de Alan Crosland, Don Juan, con John Barrymore como protagonista y en la que se había añadido una partitura interpretada por la orquesta antes citada.

-La música en el cine hasta los años 30

Tras las primeras experiencias sonoras, la primera película considerada en si sonora fue El cantor de jazz (1927) dirigida por Alan Crosland. Tras su exhibición, se comprobó que el avance del sonido provoco una reacción en cadena, influyo en la creatividad, producción y repercusión social de las estrellas e incluso en los estudios y salas de proyección.

Tras todo esto, Hollywood adapto sus estudios, los equipamientos de los rodajes, las cabinas de proyección y todo esto para dar cabida a los nuevos proyectores y equipos de sonido. Los actores también tuvieron que adaptarse a la llegada del sonido, los que no superaron las pruebas, tuvieron que dejar la profesión.

En apenas tres años se consiguieron grandes logros artísticos: el musical de King Vidor Aleluya (1929); la producción francesa Bajo los techos de París (1930), de René Clair, y las películas alemanas El ángel azul (1930), de Josef Von Sternberg, con Emil Jannings y Marlene Dietrich, y M, el vampiro de Düsseldorf (1931), de Fritz Lang, con un magnífico trabajo de Peter Lorre.

La industria se reorganizó en grandes estudios, que impusieron una política muy precisa de producción, de contratación de actores, actrices, de directores y de estilo.

2.-  El cine sonoro: una nueva forma de expresión

-Elementos de la banda sonora

La incorporación del sonido al mundo del cine provoco un avance en la expresión y una mayor fuente de realismo

Por eso, la banda sonora juega un papel muy importante en el momento de percibir e interpretar la imagen, su importancia dentro de una película es máxima, ya que da distinción con respecto a otras. Los elementos que constituyen una banda sonora son:

– La palabra. Su forma más frecuente es el diálogo, además de otras aplicaciones como son el comentario o voz en off y los monólogos. Tiene gran poder significativo en la imagen audiovisual.

– La música. Por su fuerza evocadora, la música se asocia a la imagen para crear el ambiente conveniente, exponer situaciones sin explicación verbal, dar fluidez al desarrollo de los acontecimientos, reforzar los sentimientos que se desean transmitir o enlazar planos o secuencias

– Efectos sonoros o ambientales. Contribuyen a la sensación de realismo. Los ruidos subrayan la acción y evocan la imagen.

– Silencio. Forma parte de una banda sonora bien como pausa (entre diálogos, ruidos y música) o bien como recurso expresivo propio (para provocar dramatismo, angustia, etc.). En ocasiones, el silencio puede ser más expresivo que la palabra o el soporte musical.

-El paso del mudo al sonoro: cambios, significado, aportaciones…

Antes de la llegada del sonido al cine, los cineastas y proyectistas intentaron crearlo ya que de eso se trata verdaderamente el cine. Por ejemplo, los hermanos Lumière, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a la proyección de la película en su local de París. Hacia el año 1926, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a estética de la imagen y movimiento de la cámara. Había una gran producción cinematográfica en Hollywood y el público se contentaba con las películas producidas. No se exigía que los personajes comenzaran a hablar, ya que la música aportaba el dramatismo necesario a las escenas que se proyectaban en pantalla.

Las nuevas técnicas, el espíritu creativo y emprendedor de los cineastas y la búsqueda del más difícil todavía, hizo que se impusiera el cine sonoro, acabando, no sin dificultades y dejando a mucha gente en el camino, con el cine mudo. Cuando el cine sonoro demostró su rentabilidad, las películas mudas, a pesar de su arte, quedaron condenadas a pasar a la historia. El cine mudo había durado 35 años.

En 1926 se estrenó en Nueva York Don Juan, con efectos sonoros y una partitura sincronizada y posteriormente varios cortos que fueron perfeccionando los dos sistemas, el Vitaphone (la Warner) y en competencia el Movietone (la Fox). El 6 de octubre de 1927 se estrenó El cantor de jazz (The Jazz Singer), considerada la primera película sonora de la historia del cine, que hizo tambalear todos los planes del momento del cine mudo. Hacia 1930 el sonoro era un hecho, y el cine mudo había sido definitivamente vencido.

-La música de cine a partir de la década de los 30

Con la década de los 30 empieza a cobrar gran protagonismo las partituras para el cine y salen a relucir grandes maestros que marcarían los trazos de la historia de las BSO.

Se caracterizarían por una mayor profesionalización de la música de cine, con los nombres de Erich Korngold y Max Steiner como mayores representantes de esta época.  La música sufría una metamorfosis, pasando de un acompañamiento constante a un empleo más selectivo para subrayar ciertos momentos.

Max Steiner decía “en aquella época, en las películas dramáticas se usaba la música únicamente cuando lo exigía el guión. Entre los productores, directores y músicos dominaba siempre el miedo a que les preguntaran de dónde salía la música. Por eso no ponían nunca música, a menos que pudiera explicarse por la presencia de una orquesta, fonógrafo o radio, que ya estaba especificado en el guión”.

En 1933 se estreno King Kong.

-Nombres en la música

   José Nieto es un compositor español nacido en Madrid en 1942. A lo largo de su carrera se ha especializado sobre todo en la composición de música de películas y de series de televisión.

En 1970 debuta en el cine componiendo la música de la película La Lola, dicen que no vive sola de Jaime de Armiñán, iniciando así su carrera fílmica.

En 1987 compuso la música del largometraje El Lute: camina o revienta, de Vicente Aranda, con quien seguiría colaborando en varias películas más. Para la televisión ha compuesto sobre todo la música de series españolas, tanto documentales (El arca de Noé), como de reconstitución histórica (Teresa de Jesús, Los jinetes del alba).

Desde la primera edición de los Premios Goya José Nieto ha tenido mucha rivalidad con Alberto Iglesias. Contaban ambos con seis galardones hasta que en la edición de 2006 Iglesias consiguió su séptimo premio.

   Alberto Iglesias Fernández-Berridi (nacido en San Sebastián, 1955) es un compositor español. Ha escrito la música para diversas películas de cine españolas y extranjeras, muchas de ellas dirigidas por el cineasta manchego Pedro Almodóvar. Fue nominado por primera vez para el premio Óscar por su trabajo en la película El jardinero fiel (The Constant Gardener), (2005) y por segunda vez por su trabajo en la película Cometas en el cielo (The Kite Runner), (2007). Ha ganado además muchos otros premios y reconocimientos nacionales e internacionales, entre los que destacan sus
muy numerosos premios y nominaciones a los Premios Goya de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.


   Nino Rota
(Milán, Italia; 3 de diciembre de 1911 – Roma, Italia; 10 de abril de 1979) fue un compositor italiano de música clásica y de cine.

Rota es mayormente conocido y recordado sobre todo por ser el encargado de la música de las películas del director de cine Federico Fellini. Su música suele ser delicada y marcadamente romántica, destacando especialmente sus secciones de viento-madera y cuerdas. También dominó a la perfección la composición para voz. Su banda sonora de La Strada, La dolce vita, Ocho y Medio y Amarcord rivalizan en fama con las que compuso para Luchino Visconti (El gatopardo, entre otras), Lina Wertmüller (Amor y Anarquia), René Clement (A pleno sol) y Franco Zeffirelli (Romeo y Julieta).

Para el Oscar estuvo nominada la partitura de Nino Rota de El padrino en 1972, pero la Academia la cambió por la La huella de John Addison debido a que la música había sido utilizada por Rota en otra película, Fortunella (1958).

Sin embargo, la música de El padrino II, compuesta por Nino Rota junto a la mínima aportación de Carmine Coppola, padre de Francis Ford Coppola, fue nominada y ganadora del Oscar dos años después.

   Ennio Morricone (Roma, Italia, 10 de noviembre de 1928), es un compositor italiano de música de cine y bandas sonoras.
Es uno de los más conocidos compositores cinematográficos, gracias sobre todo a la música de los “spaghetti western”, pero también gracias a las bellas melodías de Días del cielo, La misión o Cinema Paradiso.

También ha compuesto obras para series de televisión; entre las más conocidas están Moisés, Marco Polo, La Piovra o El secreto del Sahara.

Compuso la marcha de la Copa Mundial de FIFA Argentina 1978.

También colaboro en 1970 con Chico Buarque en un disco llamado “Per un pugno di samba”

   Henry Mancini (Cleveland, 16 de abril de 1924 – Beverly Hills, 14 de junio de 1994). Compositor estadounidense de música para cine, jazz, y de influencias latinas.

Será recordado por la música que acompaña a la Pantera Rosa (por la que ganó un Grammy) y por su colaboración en las comedias de Blake Edwards, en la que destaca la canción “Moon River” (deDesayuno con diamantes). Además fue el creador de los temas de varias series de televisión como La pantera rosa (dibujos animados), Remington Steele (con Pierce Brosnan), El pájaro espino oPeter Gunn, entre otras.

John Towner Williams (Floral Park, Nueva York, 8 de febrero de 1932) es un compositor y director de orquesta estadounidense. En una carrera que se extiende durante cinco décadas, Williams ha compuesto varias de las más famosas bandas sonoras de la historia del cine como: Tiburón, La Guerra de las Galaxias, E. T.: El extraterrestre, Superman, la saga de películas de Indiana Jones, Parque Jurásico, La lista de Schindler, Memorias de una geisha,Harry Potter, entre muchas otras.

Alfred Newman (17 de marzo de 1901, New Haven, Connecticut, Estados Unidos – 17 de febrero de 1970, Los Ángeles, California, Estados Unidos) fue un compositor estadounidense de música de cine y uno de los más importantes de la historia de este arte en Estados Unidos, además de ser el autor de la característica sintonía de la 20th Century Fox.

Postuló durante su carrera, a 45 candidaturas a los Premios Óscar (un record que comparte con el también compositor John Williams) ganando el premio en 9 oportunidades; en 1940 fue nominado por 4 filmes al mismo premio. Su colaboración tanto con John Ford como con otros directores fue muy fructífera.

Jerrald King Goldsmith (Pasadena, 10 de febrero de 1929 – Beverly Hills, 21 de julio de 2004), mejor conocido como Jerry Goldsmith, fue uno de los compositores más importantes y reconocidos de la cinematografía.

Ha tocado todos los géneros a lo largo de su carrera, aunque es en el cine fantástico donde ha logrado sus éxitos más populares: El planeta de los simios, varias partes de la saga Star Trek, La trilogía de La Profecía, La Fuga de Logan, Atmósfera cero, Alien, el octavo pasajero o El Vengador del Futuro, por citar algunos títulos.

 

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